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sábado, 21 de novembro de 2015

Que horas ela volta? Arquitetura social e afetiva do Brasil


Que horas ela volta? Arquitetura social e afetiva do Brasil

 

O filme Que horas ela volta? (2015), escrito e dirigido por Anna Muylaert, nos convida a enfrentar uma incômoda questão brasileira herdada de nossa história colonial: O difícil lugar da empregada doméstica no nosso país. Regina Casé protagoniza de forma visceral a nordestina Val, que migra para São Paulo para trabalhar numa casa de classe alta no Morumbi, para poder sustentar sua filha, Jéssica, que ficara em Pernambuco com os envios mensais para suas despesas, preço de sua ausência. Servirá a todos devotadamente, com aquele misto de profissional “como se fosse da família”

Nessa casa mora um casal e seu filho Fabinho (Michel Joelsas), a quem Val dedica todo amor que seria dispensado a sua menina. D.Bárbara (Karine Teles), Seu Carlos (Lourenço Mutareli) são estereótipos típicos da alta burguesia. Ele um artista improdutivo e em crise que vive de herança, sempre sorumbático. Ela, fútil, distante e carente. Fabinho só conta mesmo no plano afetivo com o colo e os abraços de Val. E há de se afirmar, sem nenhuma dúvida, que o amor entre eles é verdadeiro.

A rotina massante da casa será quebrada com a  chegada de Jéssica (Camila Márdila), que vem prestar vestibular para Arquitetura (estimulada pelo seu professor de História) e abala toda a planta da casa, estruturada sob os ditames de Casa Grande/Senzala. A jovem teima em circular e ocupar os espaços que a mãe nunca cruzara. Daí brota o conflito do filme. Há uma fala de D. Bárbara, quando é apresentada para ela, que traduz muito um dos focos do filme: “É, esse país está mudando mesmo.”, quando descobre que a jovem prestaria o mesmo curso e universidade que seu filho e que, além disso, tem voz e opiniões próprias ou impróprias para sua condição.

Aliás, a presença da Arquitetura no filme é deveras simbólica, discutindo sempre a temática do espaço social, seja ele geográfico ou sentimental. Uma das grandes metáforas da trama é representada pela piscina. Local de lazer onde Val nunca entrou. Sua filha foi jogada  nela de brincadeira (cruzando a fronteira) e por essa razão a patroa manda esvaziá-la, inventando a presença de um “rato”. Uma das grandes cenas do filme se passa nesse retângulo, quando Jéssica é aprovada para a segunda fase do vestibular (Fabinho perde)  e sua mãe liga para parabenizá-la de dentro da piscina. Mesmo vazia, é para Val uma grande subversão, carnavalização total.

Ainda quanto aos espaços, vale destacar a visita ao Ed. Copan, a ida à Universidade sempre guiadas pelo Patrão. Ele é atraído pelo ímpeto da jovem naquela casa, tão estéril de sentimentos e comunicação, confunde seus sentimentos para desespero de Val. Bem como os quartinhos e casas da favela alugados pela mãe e pela fiha quando resolvem sair da Casa Grande.

O filme é muito sensível na construção dos detalhes. Ele não é só bom porque é engajado ou revolucionário. É bom, sobretudo, nos detalhes que simbolizam a presença das diferenças sociais e seus intricados elos. Observem com atenção o sorvete, a cadela, as fotografias, o almoço dos empregados. Tudo é costurado com agudeza, como o preto no branco, ou o branco no preto do jogo de xícaras difícil de ser arrumado e equilibrado, dado como presente de aniversário para a patroa por Val e rejeitado por ela. Notem que será subtraído para sua morada e brindado com alegria, inaugurando sua nova vida quando se demite, pois essa sim é uma ocasião especial.

A narrativa é incômoda, como a resignação de Val em algumas cenas ou como a presença deslocada de Jéssica naquela mansão(hospede ou filha da empregada?) porque põe a lupa para dentro das casas, escancarando seus problemas, metonímia do Brasil contemporâneo. É também extremamente sensível porque os dramas humanos unem os homens e mulheres, unem mães e filhos. Afinal, seja Fabinho, Jéssica ou o seu filho, todos querem saber Que horas elas voltam?

 

terça-feira, 10 de novembro de 2015

A paternidade labiríntica em As Regras do Jogo


A paternidade labiríntica em As Regras do Jogo

 

Em As Regras do Jogo, novela das 21 horas da Rede Globo, um tema em especial nos chama à reflexão: A representação da paternidade. Várias relações paternas são retratadas de forma complexa e, como no estilo inconfundível de João Emanuel Carneiro, nos convida a rever nossos paradigmas e estereótipos.

Zé Maria (Tony Ramos) que já traz a ironia no nome, em nada se assemelha ao que se anuncia. Um vilão ambíguo e enigmático que vai se revelando aos poucos, tem seu ponto fraco ( que faz oscilar o pêndulo entre o bem e o mal que a novela explora) no amor controverso que sente pelo seu filho Juliano(Cauã Reymond). Relação extremamente tensa, agora que seu filho descobriu sua face sombria. Um pai pode amar e prejudicar simultaneamente seu único filho em nome de sua irmandade/facção? Um filho pode querer a prisão do pai, antes idolatrado, em nome de sua sede de justiça? Nesse sacrifício de Isaac revisitado, tudo ainda pode acontecer. Personagens tão díspares questionam esse amor que seria incondicional.

Outra relação paterna inusitada é a de Romero Rômulo (Alexandre Nero) com Ascânio(Tonico Pereira). Ascânio seria o que se chama no jargão da malandragem seu “pai da rua”, o malandro que o acolheu na marginalidade e o ensinou as primeiras lições do crime, explorando o “potencial do filhinho”. RR seria uma espécie de Oliver Twist que nutre amor e ódio, raiva e pena, atração e repulsa, desprezo e piedade pelo seu mentor. Aliás, esses mesmos sentimentos são despertados em nós telespectadores pela brilhante atuação de Tonico Pereira. Para alargar mais esse modelo de família marginal entra em cena Atena (Giovanna Antonelli), que passa a ser mais um membro do clã, alimentando no ”velho” uma paternidade incestuosa, uma nova parceria, pois tudo naquele núcleo é meio amoral. Não esqueçamos que Tóia (Vanessa Giácomo) e Romero em tese são irmãos, pois são filhos da mesma mãe(ela, adotiva amada, ele, biológico rejeitado).

Na mansão dos Stuart, o patriarca capitalista e atormentado é desafiado pelo neto comunista, pela filha bipolar, pela esposa ética e pela neta rebelde. O genro que seria seu modelo de filho e sucessor é um blefe. E ainda há o mistério sobre a paternidade dos filhos de Nelita (Bárbara Paz), que, ao que sugere a trama, virá dos segredos da área de serviço.

Mas o PAI da trama é o nosso Feliciano(Marcos Caruso), um pai agregador, um amor sem reservas. Naquela cobertura, o metro quadrado mais habitado de Copacabana, o amor paternal transborda, há lugar para tudo e todos e o conceito de família vai ganhando novos contornos inimagináveis. Com aquela dose maravilhosa de humor e crítica de costumes, carnavalização completa.

Sigamos pelos labirintos da narrativa, à espera das surpresas que a trama ainda trará, a nos surpreender a cada capítulo com seu título inédito que nos convida para novas emoções e às novas regras...

 

 

quarta-feira, 21 de outubro de 2015

Além do Tempo e da Eternidade


Além do Tempo e da Eternidade


 
Além do Tempo surpreende a teledramaturgia ao propor uma trama com duas fases de uma forma inédita. Até então, as novelas lançavam mão de recursos como o flashback e a memória das personagens para mostrar a interferência de fatos passados nos sucessos presentes (Alma Gêmea é um bom exemplo). Todavia, a novela das 18h vai mesmo Além do seu tempo ao mostrar duas vidas distintas de cada personagem com clara conotação espiritualista, através de duas reencarnações distantes em 150 anos.
O capítulo de hoje (21-10) encerrou um tempo, situado no século XIX, com toda magia que ele pode oferecer. Foi um capítulo brilhante com todo o fulgor de um clímax esperado nos grandes finais. Para alimentar o imaginário vitoriano (sim, Condessa Vitória) um duelo traiçoeiro, no melhor estilo capa-espada-penhasco, com Melissa e Pedro pintados com todas as tintas da vilania. Ambos foram incitados a perdoar e seguir em frente, mas optaram pelo ódio, e, de certo, responderão por ele na próxima etapa. O carma virá na nova fase, todas as personagens vestidas com outras roupagens, como mostrou a instigante chamada, reviverão os dramas do passado num contexto contemporâneo.
Desde sexta passada, num capítulo que lavou a honra do telespectador e nos fez vibrar com tanta beleza, os ares já eram de final. O casamento desfeito no altar com a revelação do segredo do diário (Ah... o século XIX como não suspirar ?), o príncipe no cavalo raptando a mocinha, as identidades reveladas, novos pares se formando, o bem vencendo o mal. Mas, com ventos novos soprando, não era o fim, era o recomeço de novas vidas construídas com o barro moldado no passado.
E por falar em ventos soprando a melhor metáfora desse “fechamento” de ciclo foram as velas se apagando continuamente no casarão da Condessa. Uma cena lapidar que sugere fins e recomeços, vida e morte, luz e sombra. Como uma trama de cunho espiritual, muito se falou sobre o poder do perdão, aqueles que conseguiram perdoar renascerão mais leves, os outros continuarão arrastando suas correntes.
Cortando para o século XXI, o anjo, antes cocheiro, agora atua no metrô( imagem contemporânea por excelência) e continua conduzindo os destinos. Lívia e Felipe num olhar eloquente se reconhecem, a reminiscência platônica entra em ação, é o amor que se eterniza  para Além do Tempo. Sigamos também apaixonados pelos próximos capítulos...
 

sábado, 10 de outubro de 2015

Como e porque sou noveleira


Como e porque sou noveleira
José de Alencar (1829-1877), um dos maiores intelectuais e ficcionistas desse país, em um texto autobiográfico de grande beleza Como e porque sou romancista[i] narra, entre outras tantas memórias, um episódio de sua infância que retomo aqui nesse preâmbulo:

Não havendo visitas de cerimônia sentava-se minha boa mãe e sua irmã D. Florinda com os amigos que pareciam, ao redor de uma mesa redonda de jacarandá, no centro da qual havia um candeeiro. Minha mãe e minha tia se ocupavam com trabalhos de costuras, e as amigas para não ficarem ociosas as ajudavam. Dados os primeiros momentos à conversação, passava à leitura e era eu chamado ao lugar de honra. Muitas vezes, confesso, essa honra me arrancava bem a contragosto de um sono começado ou de um folguedo querido; já naquela idade a reputação é um fardo e bem pesado. Lia-se até a hora do chá, e tópicos havia tão interessantes que eu era obrigado à repetição. Compensavam esse excesso, as pausas para dar lugar às expansões do auditório, o qual se desfazia em recriminações contra algum mau personagem, ou acompanhava de seus votos e simpatias o herói perseguido. Uma noite, daquelas em que eu estava mais possuído do livro, lia com expressão uma das páginas mais comoventes da nossa biblioteca. As senhoras, de cabeça baixa, levavam o lenço ao rosto, e poucos momentos depois não puderam conter os soluços que rompiam-lhes o seio. Com a voz afogada pela comoção e a vista empanada pelas lágrimas, eu também cerrando ao peito o livro aberto, disparei em pranto e respondia com palavras de consolo às lamentações de minha mãe e suas amigas. Nesse instante assomava à porta um parente nosso, o Revd.º Padre Carlos Peixoto de Alencar, já assustado com o choro que ouvira ao entrar – Vendo-nos a todos naquele estado de aflição, ainda mais perturbou-se: -Que aconteceu? Alguma desgraça? Perguntou arrebatadamente. As senhoras, escondendo o rosto no lenço para ocultar do Padre Carlos o pranto e evitar seus remoques, não proferiram palavra. Tomei eu a mim responder: -Foi o pai de Amanda que morreu! Disse, mostrando-lhe o livro aberto.

Tal cena, um serão de leitura bem aos moldes burgueses do século XIX, nos remete diretamente à relação do brasileiro com a telenovela. As reações da plateia descritas pelo autor de O Guarani ainda permanecem nas salas de nossas casas e estendem-se pelo dia seguinte onde baste que dois espectadores se juntem em seu nome, ali ela estará. É sabido que o gênero advém do folhetim romântico, romance em fatias, dividido em capítulos e saboreado aos poucos, sorvido em goles diários. Daí tantas semelhanças de heróis e mocinhas, romances proibidos, vinganças, segredos, sangue e lágrimas.
Talvez daí também a sua sobrevivência em tempos de tanta concorrência de outras telas. O drama humano sempre nos atrairá e conquistará nossa empatia, independentemente da história, sempre torceremos por uma personagem em detrimento de outra e reclamaremos um final feliz e, se possível, com casamento, flores e bebês. Para o vilão nada menos que loucura, morte, humilhação ou cadeia nele!
Para além das emoções catárticas do serão de Alencar e dos nossos, a literatura propriamente dita (aquela que é meu amor primeiro) e a teledramaturgia é também um veículo difusor de conhecimento. A sua  mathesis, como registrou Barthes, ou seja a sua força de transmitir saberes é um dos seus tripés(ao lado da  mimesis e semiosis) e concordamos que a novela brasileira tem desempenhado com força esse papel. Concordamos também que num país de índices mínimos de leitura de qualquer tipo, a novela tem nos ofertado algumas aulas sobre nossa história, possibilitado discussões sobre graves problemas e influenciado comportamentos e mudanças deles.

Se pensarmos em alguns temas como a escravidão, por exemplo, tivemos aulas inteiras sobre a barbárie que esse fato representou e continuou representando depois dele. Escrava Isaura(sucesso retumbante em todo mundo), Sinhá Moça, Força de um desejo, Lado a Lado e Além do Tempo(em exibição) mostraram para nós uma face maldita e mal dita da nossa nação. Com cenas memoráveis como os castigos de Isaura ou a abolição em Sinhá Moça (reescrita lindamente no seu remake para abarcar discussões contemporâneas). A imigração e seus desdobramentos nos renderam cenas antológicas em Terra Nostra ou O Rei do gado.

Sobre a ética ou a falta dela rememoro com prazer O Dono do Mundo (miserável Dr.Felipe Barreto, como as tias de Alencar, já te xinguei muito) ou a inesquecível Vale Tudo, que, como sugere o título escancarou o gênero ao premiar o vilão Marco Aurélio com um final feliz fugindo num helicóptero e nos dando uma simbólica banana, ou ainda o emblemático herói Sassá Mutema de O Salvador da Pátria. Temas ligados às questões de saúde estiveram presentes em diversas histórias, Câncer, Leucemia, Transplantes, Síndrome de Down, Autismo, Esquizofrenia, Deficiência visual entre tantos que, segundo dados oficiais, fazem o brasileiro correr atrás de informações, exames e consultas.

Os temas tabus, que são tantos por aqui, não fugiram das telas. Se tomarmos a questão homo afetiva como modelo teremos uma travessia dolorosa que foi da morte do casal lésbico na explosão do Shopping em Torre de Babel pela rejeição do público, a atores que apanharam na rua por insinuarem um par romântico (Jeferson e Sandrinho em A próxima vítima) para uma  aceitação, ainda que polêmica,  de casais como Félix e Nico em Amor à vida(com direito a beijo apaixonado) e de famílias como a das brilhantes damas Fernanda Montenegro e Nathalia Timberg em Babilônia.  É como se as tramas fossem formando paulatinamente uma sociedade para a tolerância e aceitação.

Ainda no quesito comportamento, o inventário seria infinito, divórcios, adoções, famílias-mosaico, crises de meia idade, drogas, direitos femininos e feministas, violências diversas, enfim e sem fins, seria impossível elencar. E meus leitores, se é que alguém me acompanhou até aqui, devem ter percebido que estou tratando aqui só das novelas verossímeis, aquelas pautadas no real concreto, porque para ir para os reinos encantados da fantasia, onde outros tantos valores e saberes também são projetados, precisaríamos de rios de caracteres e pixels para encantar esse cordel.

Vou ficando por aqui e como os ouvintes de Alencar, continuo me emocionando com as tramas, da literatura e da tela, pois a arte nos dá o direito aos sonhos, mas também, uma overdose de realidade, ainda que ressignificada pelo espelho estilhaçado da ficção, como nas camisetas panfletárias de Romero Rômulo, o feijão e o sonho...

 

 

 




[i] Escrito em 1873 e publicado em 1893.

sábado, 26 de setembro de 2015

Verdades Secretas ou A vida como ela também é

                                Verdades Secretas  ou A vida como ela também é
A novela das 23h00h, Verdades Secretas, de Walcyr Carrasco, dividiu o público e fez muita gente dormir mais tarde nos últimos dias. Ancorado no mundo e, sobretudo, no submundo da moda, trouxe à tona aspectos nem tão glamourosos assim. Escancarou detalhes do backstage desse universo, jogando luz mais para os bastidores que para as passarelas propriamente ditas. O book rosa foi o símbolo dessa escolha temática principal, com a sobrecapa cor de rosa encobria a degradação das modelos, que, seduzidas pelos holofotes, acabam por cair num mundo sem cores. Arlete ao assumir sua nova identidade, Angel, faz o rito de passagem para esse outro mundo acinzentado. A ninfeta, o mote da Lolita é uma recorrência na literatura, vai ceder às tentações e transforma-se em anjo-demônio.
Paralelo a esse eixo central, tivemos à mostra várias relações humanas devastadas. A família de Alex, um tumulto constante, sem afeto, sem comunicação, sem convivência. O pai e madrasta de Arlete-Angel, oportunistas e cruéis, a relação de Anthony com sua mãe (excelente Eva Wilma) pautada no ressentimento, se ampliava para a cama de Fani (Adeus, Dona Neném), entre outras. Relação bela só mesmo a de Hilda e Oswaldo, amizade/amor maduro que renderam cenas ternas e profundas.

O triângulo amoroso sórdido entre filha-marido-mãe alimentou cenas de suspense que nos faz oscilar entre os sentimentos de repulsa, ódio e piedade. O pai se divertia com a Lolita-enteada, (inspirações incestuosas) e humilhava sua mãe (Drica, divina). Creio que as inúmeras sequências de sexo seriam dispensáveis, foram desgastando a trama e perdendo a novidade.

Houve muitos pontos altos na parte técnica. A iluminação com os jogos certeiros de luz e sombra, já que a trama expôs os recônditos humanos, aquilo que se quer esconder, mas acaba aparecendo aqui e ali. Os cenários realistas das trevas da Cracolândia e de tudo que habita naquele reino das sombras, no qual Grazi Massafera triunfou. O figurino sob medida para uma novela enredada nos novelos da moda e da sedução, como os biquínis de croché de Angel.

Voltando ao principal, a tragédia anunciada pela presença constante da arma em cena se concretizou. Angel manchou-se no sangue de sua mãe e no do seu amante, e essa nódoa-culpa a impregnou. Nelson Rodrigues ecoava em muitas cenas, revelando a vida secreta das “famílias decentes”, as verdades inconvenientes vistas pelo buraco da fechadura.

Reconheço valores na trama, mas sinceramente não me arrebatou. Penso que faltou mais ficção, mais fantasia. Entre a vida como ela é, prefiro a vida como ela poderia ser. Mais Chocolate e menos Pimenta, mais Rosas e menos Cravos, por favor, Walcyr...

quarta-feira, 16 de setembro de 2015

Além do Tempo: Mural afresco do século XIX


                                 Além do Tempo: Mural afresco do século XIX

                                                                                                                   Para Elvya Ribeiro

A novela das 18:00 h,  Além do Tempo, de Elizabeth Jhin, revela-se como uma grata surpresa para o público afeito ao gênero de época. Dentre tantos acertos da trama, temos em destaque um sofisticado painel da sociedade brasileira do final do século XIX e inicio do século XX. Uma espécie de mural afresco das relações sociais que marcaram o Brasil finissecular e que ainda ecoam no nosso tempo.

As influências intertextuais pululam em cada capítulo e nos levam ao encontro de obras como Orgulho e Preconceito e Razão e Sensibilidade (Jane Austen), Conde de Monte Cristo e O Homem da Máscara de Ferro (Alexandre Dumas), A Bela e a Fera (conto de fadas tradicional francês), das heroínas românticas de José de Alencar ou, com tintas mais fortes da excepcional série  Downton Abbey, ente outras obras. Para além do enredo romântico, temos com muito vigor uma refinada crítica de costumes da época.

A novela, assim como a série, revelam, simultaneamente, o mundo dos patrões e o mundo dos empregados com lentes microscópicas, mostrando em detalhes todas as nuances dos conflitos de classe, e mais ainda, das relações humanas entre elas. Recentemente, houve um diálogo significativo entre Severa(Dani Barros) e o menino Alex, filho do Conde Felipe(preceptora  e seu tutorado). Ele perguntou se ela sabia tocar piano e ela respondeu que não era coisa para gente de sua classe social. E ele lhe retruca sobre o que era classe social e ela lhe responde: “é o que faz as pessoas diferentes, gente como você e sua família são servidos por gente como eu”. Tal diálogo é uma condensação do modelo social exposto na trama.

As crianças ainda não percebem as diferenças, por isso é tão linda a amizade entre as três, oriundas de três classes diferentes. Felícia não é nobre, é filha de alguém que enriqueceu com o trabalho (traço explorado pela comicidade de sua mãe e irmã que aspiram pela nobreza) e Chico é filho de um ex escravo (com chagas ainda abertas), o elo mais fraco do trio. Entre eles as diferenças são neutralizadas, até que algum adulto apareça para lembrar-lhes.

A casa da Condessa Vitória (altiva Irene Ravache) é um microcosmo do Brasil daquele período com toda sua intricada rede de intrigas e segredos. Há várias escalas hierárquicas em cena entre os empregados, incluindo os agregados (ecos machadianos), status da família da megera Melissa (Paola Oliveira), nobres decadentes e empobrecidos que vivem às custas da Tia e precisam perpetuar os laços através do casamento, e para isso fazem qualquer coisa.

Como o titulo sugere, Além do Tempo, grafado entre duas linhas infinitas, está o amor que resiste ao tempo e as armadilhas da vida e das convenções sociais. Assim é com Bernardo (Felipe Camargo) e Alegra (Ana Beatriz Nogueira), com Raul (Val Perré) e Gema(Louise Cardoso) e será também com Lívia(Alinne Moraes) e Felipe(Rafael Cardoso). Temos ainda um elemento mágico que confere uma dose de beleza extra na trama, o Anjo Ariel (Michel Melamed), velando e interferindo nos destinos das personagens. O simples cocheiro tem o poder de conduzir para o caminho do bem.

A sinopse da novela indica que a história avançará para o presente, mostrando as mesmas personagens numa reencarnação posterior e vivendo os mesmos conflitos, pois, com inspiração espiritualista, só o amor e o perdão poderiam os libertá-las desse ciclo. Confesso que dispensaria essa segunda fase, as narrativas de época nos levam para um encontro prazeroso e incômodo com o nosso passado, mas está tão belo que gostaria que ficássemos por lá ao som de Cartola e suas rosas...

sábado, 12 de setembro de 2015

A Regra do Jogo ou o Jogo sem regras ?


A Regra do Jogo ou o Jogo sem regras ?

Na Teoria da narrativa existem dois tipos de personagens classificadas como Personagens Planas ou Desenhadas e Personagens Circulares ou Esféricas. As primeiras são aquelas mais simples, bem típica dos contos de fadas tradicionais nos quais facilmente identificamos os mocinhos e os vilões. Já a segunda estirpe, é composta justamente por aqueles perfis psicológicos que não se doam docilmente à nossa interpretação. Exigem olhar atento, vão se modulando e nos surpreendendo no desenrolar da trama. Membros dessa segunda prole de papel povoam A Regra do Jogo, nova novela das 21, de João Emanuel Carneiro. Saudado como renovador do gênero desde o inquestionável sucesso de Avenida Brasil. Parece que novamente nos toma de assalto e nos nocauteia a cada capítulo, sem dúvida ele faz parte da Tropa de Elite da teledramaturgia.

Todas as personagens principais jogam o jogo da ambiguidade. Como insinua o tabuleiro de xadrez da abertura, nem tudo é preto no branco, nem mesmo preto ou branco. Romero Rômulo, o protagonista mais complexo da linhagem da teledramaturgia global (se minha memória não me trai) é um mix de personaes diversas. Misto de líder popular com gangster só para começar. Como todo bom herói (ou anti) tem uma origem familiar conturbada e uma trajetória repleta de segredos. Será preciso retornar às origens para cumprir seu périplo. E para colorir ainda mais suas tintas, um drama humano o habita, uma doença degenerativa. Ele é um turbilhão de emoções e conflitos tão bem expostos pelo magistral Alexandre Nero (já exorcizou o comendador) que vem nos inquietando com o seu endemoninhado Rock and Roll. Quem é de fato esse homem? Ou Quem tem medo de Romero Rômulo? Parecem ser o eixo central da novela.

Todos têm algo a esconder, todos têm uma face oculta sob a face neutra. Segredos, sussurros e papéis guardados na gaveta dos armários e da memória ameaçam se revelar a cada instante. Os becos tortuosos e labirínticos do Morro da Macaca, com sua infinita rede de fios, portas, janelas e frestas parecem simbolizar os meandros complexos da alma das personagens. Zé Maria (Toni Ramos, brilhante em qualquer papel), na penumbra, anuncia sua volta para luz.  A professora e mater dolorosa Djanira (Cássia Kiss Magro), é um poço de mistério. A sedutora-picareta Athena (Giovana Antonelli) é também Francineide, oscilando entre o sonho do jet-set e a realidade do quarto  de pensão. O executivo cortês (Du Moscovis) é um dos líderes da FACÇÃO, uma irmandade onipresente e onisciente, com toda carga dramática dos bons filmes de máfia. A “família” disputa o poder com seus códigos (a) morais.

Aliás, as relações familiares complexas é outro ponto alto da intricada rede. Paternidades e maternidades variadas, com toda dor e delícia dos vínculos biológicos e sociais, refletem sobre as células da sociedade. Adisabeba (arrebatadora com o brilho dourado de Suzana Vieira) é a mãezona do Morro, nossa Jocasta suburbana. A sua relação de proteção com o filho estende-se para todos ao seu redor. O núcleo Gibson Stuart(José de Abreu), talvez o mais denso, traz Nelita(enigmática Bárbara Paz)  como metáfora explícita da ambiguidade, é anjo  e demônio juntamente. E no quesito comicidade, o voto vai para Feliciano Stuart( Adorável  Marcos Caruso). A sua grande família-trapo rouba a cena. Ele, fidalgo decaido que não perde a elegância jamais, com seu Robe de Chambre e bolo de contas vencidas, brinda a união da família com champanhe em xícaras Duralex. Como numa pizza mezo burguesia/ mezo classe-média.

O jogo está lançado e parece não haver regras entre os participantes. Tudo ainda em aberto. Todos suspeitos sob nosso julgamento do lado de cá e de lá da tela, como na bela música da abertura “É O juízo final, a história do bem e do mal”. Alguns resíduos de esperança se insinuam nesse mundo tão distópico. Tóia e Juliano (Vanessa Giácomo e Cauã Reymond, não precisam mais provar que são grandes atores), casal-símbolo da possibilidade da persistência do bem sobre o mal, começam a passar por suas expiações....resistirão?  Aguardem cenas dos próximos capítulos...

 

domingo, 6 de setembro de 2015

O Pequeno Príncipe e os resíduos de utopia


                           O Pequeno Príncipe e os resíduos de utopia

O filme O Pequeno Príncipe, com direção de Mark Osborne, em cartaz nos cinemas desde 20 de agosto é uma adaptação do romance homônimo do escritor francês Antoine de Saint-Exupéry, publicada em 1943 nos Estados Unidos e no ano seguinte na França. Uma das obras mais lidas no mundo com traduções em diversas línguas (mais de 150) e que povoa o imaginário de crianças e adultos de diversas gerações.  Seu autor o classificava como “um  livro urgentíssimo para adultos” e, pelo que vimos na tela, continua urgentíssimo para as crianças e adultos do nosso tempo também.

Partindo do mote de uma menina contemporânea que é estimulada (ou obrigada) pela mãe a seguir um roteiro de incontáveis tarefas, a fim de ingressar numa escola que lhe garantiria um futuro promissor, temos um diálogo interessantíssimo com a falta de fantasia da nossa vida real. A metáfora da infância roubada é concretizada através do quadro de atividades incessantes impostas pela mãe, que acreditava estar encaminhando sua menina para uma vida de garantias. Todavia, essa vida acinzentada da criança será invadida, literalmente, pelo seu vizinho aviador-sonhador que lhe trará o sopro da novidade pelas frestas do muro (a imagem do vento bagunçando o quadro de tarefas é belíssima) apresentando-lhe o livro do Pequeno Príncipe. Esse seu vizinho excêntrico, que mora numa casa que destoa de toda a organização da cidade, será seu primeiro amigo e lhe fará sair do roteiro elaborado para ela e, a partir de então, o seu plano de vida passará a chocar-se com o plano de sua mãe.

A magia do romance passa a habitar o universo da menina, aí adentramos de fato no enredo do romance. Toda a narrativa do livro é recontada através das páginas que o vizinho vai lhe ofertando pouco a pouco, como goles de felicidade clandestina. O carneiro, os reis ditadores dos planetas, os diálogos profundos disfarçados de conversa de criança e é claro, a raposa, em minha opinião cena mais bela do livro e também do filme, uma lição sobre a amizade e poder dos elos afetivos que conquistamos. A famosa frase “Tu te tornas eternamente responsável por aquilo que cativas” ganha destaque especial na tela, quando a menina recolhe a raposa de pelúcia da lixeira ou quando tem algumas conversas com o bichinho que passa a ser sua companheira de aventuras.

Ainda vale destacar como um dos pontos altos do filme, o reflexo espelhado dos personagens do livro no nosso tempo real. Quem seriam aqueles reis déspotas, se não nossos homens de poder? Quem seria nosso Pequeno Príncipe, se não um jovem e seus conflitos? É bom lembrar que o contexto de produção do livro coincide com a II Segunda Guerra e que, hoje, elas continuam pequenas e grandes, espaçadas e permanentes.

As adaptações são sempre bem-vindas, renova o interesse, amadurece o diálogo, alarga o olhar, nos leva de volta às fontes. Em tempos de tanta distopia, a fantasia proposta pelo Pequeno Príncipe, seja no livro ou no filme, seja nos anos 40 ou agora,  nos revigora e, ao menos por alguns instantes, nos suspende da brutalidade do real que parece nos golpear cada vez com mais força. Sua mãe também se tornou capaz de admirar as estrelas. Saímos cativados pela arte e cientes que o essencial continua invisível aos olhos... Mas como é bom ver ainda alguns resíduos de utopia refletidos ou impressos nas telas.

domingo, 30 de agosto de 2015

Fim de Babilônia...Outros Édens possíveis...


Fim de Babilônia...Outros Édens possíveis...

O capítulo final de Babilônia foi alvo de muitas críticas por parte de seus telespectadores. De forma geral, não conseguiu transmitir aquela carga emotiva típica dos desfechos da dramaturgia. Não havia muito a se resolver no último dia, além do assassino de Murilo (solução pacífica, Otávio e Oswaldão, pois se o mal foi eliminado pelo próprio mal, nosso senso moral fica apaziguado). Até mesmo o casamento da mocinha Regina (nossa rainha justiceira), cena típica dos finais, não foi tão comovente assim.

Destacou-se também na reta final, uma forte tendência para a verossimilhança. Muitas cenas pareciam ser a continuação do Jornal Nacional, obviamente ressignificadas pela ficção. As falcatruas do prefeito Aderbal (velha parábola do lobo em pele de cordeiro) e seus conchavos com as empreiteiras e depois com o tráfico refletem o nosso cenário factual. Até mesmo a prisão dele e sua fala de mártir injustiçado (“eu voltarei nos braços do povo”) se encontram com outros personagens de nossa história politica. A corrupção, mostrada na trama através de vários prismas, mostra que, como a Hidra de Lerna, quando se corta um tentáculo, outro cresce. O diálogo de Guto na Boate com seu comparsa confirma que esse monstro brasileiro, infelizmente não mitológico, continuaria a ser alimentado por Consuelo (tal e qual a Senhora dos absurdos, personagem de Paulo Gustavo). O discurso de Teresa na assembleia (pareceu-me uma homenagem à juíza Denise Frossard), mais um papel brilhante de Fernanda Montenegro, mostra que alguns Hércules estarão lá tentando deter a fera, resíduos de utopia que sustentam nosso quixotismo.

Quanto ao final de Beatriz e Inês, inspirado nos filmes Thelma e Louise e em um dos Relatos Selvagens produzidos por Almodóvar, julgo pertinente com o desenvolvimento do enredo. A relação patológica entre as duas, numa eterna e cansativa disputa, acabou por matá-las como nas tramas passionais. Como já disse antes, esse eixo central não empolgou seu público e a novela brilhou com mais intensidade nos enredos secundários. A exemplo disso, o belo romance de Rafael e Laís. Nosso Romeu e Julieta revisitado, que à despeito das diferenças incontornáveis entre suas famílias, fizeram do seu amor vida e combate, inclusive contaminando com seus ideais Maria José, que ganhou vez e voz através do simbólico gesto de soltar os seus cabelos, saindo do papel e do figurino que lhes foram impostos. A cena final do jovem casal trilhando por uma estrada irregular foi uma bela metáfora de sua trajetória.

O fantasma da audiência atormentou a trama,  um ponto a ser revisto em época de TV Fechada, Redes Sociais, Netflix e outras telinhas que nos fazem desviar o olhar. Concordo que não foi um novelão daqueles, mas o folhetim venceu com suas belas cenas de amor e suas multifaces: A paternidade chamando Bento para a vida adulta, a regeneração de Wolnei, a dedicação sem reservas de Sérgio e Ivan, a mãe acolhendo Diogo de volta no seu colo, o triângulo insólito-cômico de Walesca (como abandonar Clóvis?), os beijos polêmicos de volta, todos em uma festa, símbolo de congraçamento... Édens outros dentro da Babilônia. E amanhã novas emoções nos aguardam, novo jogo, novas regras...

sábado, 22 de agosto de 2015

Babilônia e a opção pelas sutilezas do afeto...


 
Babilônia e a opção pelas sutilezas do afeto...

                                                                        A Oldack
Essa penúltima semana de Babilônia destacou-se por cenas de imensa afetividade, despertando nossas emoções e possibilidades de catarse provocada pela ficção. Vamos a elas:
Cena 1: Karen fazendo um bolo de chocolate e cobrindo com deliciosa calda para receber Júlia, sua enteada, antes detestada e maltratada por ela e por sua filha. Ela transferia para a criança o ódio pela traição do marido. O pedido de perdão, materializado em forma de bolo, simboliza a união dos irmãos. E essa mãe arrependida tem uma linda conversa com a filha sobre seus erros e, a menina, antes resistente, cede lugar no sofá e em sua vida para a amorosa irmã que sela a nova família com o beijo na antes madrasta má, agora redimida pelo poder do perdão...
Cena 2: Sérgio acompanha Ivan na fisioterapia e para quebrar sua resistência e revolta entra na piscina com ele, como fazemos com as crianças para ensinar-lhes com nossa companhia que transmite segurança e apoio...Cena de extremo amor. Amor em forma de cuidados, amor em forma de insistência, amor em forma de puro amor, quando as adversidades se impõem e só resta mesmo estar ali para o que der e vier...Quando os planos mudam, quando o sexo  esmaece, quando basta estar por perto.. E sai empurrando a cadeira do companheiro sob um lindo por do sol...
 Cena 3: Wolney mais uma vez poderia ter cometido um crime e quando tudo levava a crer na sua culpa pelo sumiço do dinheiro no caixa do restaurante, somos surpreendidos pela sua regeneração, quase heroica...Todas as pistas eram falsas, o pen-drive, o roubo, o tênis novo, esse último, surpresa genial, presente do irmão caçula, que entra iluminando a cena com a sua inocência linda de criança...Vitória da fraternidade e da crença na mudança do ser humano...o lodo não tragou o lírio...
Cena 4: Rafael burla a segurança do hospital para passar a noite ao lado de Lais na UTI, em coma provocado pela leviandade de sua família, e pela manhã ganha a cumplicidade do médico tocado pela devoção do rapaz. Velar o sono profundo de um coma, amor sem reservas...
Cena 5: Sérgio entra transtornado no apartamento para dar a notícia da morte de Carlos Alberto para Fred. O badboy desesperado, dilacerado pela perda, busca o abrigo nos braços do tio que ele passou a desprezar pela sua homofobia doentia...a cena dá indícios que sua redenção também virá, assim como a de Karen e Wolney...
                     Além dessas cenas de extrema sensibilidade, a semana também nos rendeu algumas gargalhadas com a entrevista de Norberto na TV, com a participação especial de Clóvis e Walesca, trio que ao que tudo indica, formará um tórrido triângulo amoroso, pura luxúria e gula. A trama central continua sem frescor, Beatriz, agora é serial killer,  livrando-se de todos que atrapalham seu caminho. Como boa narrativa maniqueísta que é, Inês também merece alguma punição...Sua “sede de justiça” também a arruinou moralmente. Aguardemos a última semana, já com vontade de pular para A regra do jogo e suas chamadas instigantes....é o jogo da ficção que nos chama para mais uma partida...

segunda-feira, 3 de agosto de 2015

Babilônia, cidade perdida e salva...


                            Babilônia, cidade perdida e salva...

Ai! Ai! Tu, grande cidade, Babilônia, tu, poderosa cidade! Pois, em uma só hora, chegou o teu juízo” (Ap 18.10).

Babilônia, novela das 21:00, mas que ainda por costume chamamos das 20:00, vai caminhando para o fim nesse mês de agosto cercada de críticas e da praga da baixa audiência. Sim, a novela é um produto, e como tal, há de agradar o público consumidor. Começou sob o fogo cruzado do ataque religioso-fanático que se chocou com o beijo do primeiro capítulo entre as veteranas Fernanda Montenegro e Nathália Timberg. A cena foi vítima de duplo preconceito, homofobia e gerontofobia, pois nos diversos comentários que ouvimos por aí , a dupla questão sempre vinha à tona: "Duas mulheres e naquela idade"...Contornos foram feitos na trama para tornar o casal mais palatável ao gosto da família brasileira(marca da obra aberta), o que parece ter funcionado. Apagou-se o erotismo e acendeu-se o companheirismo.
Creio que a trama peca no eixo central da eterna disputa entre Beatriz e Inês, as duas protagonistas (Personagens de Dante e Camões) não nos mostraram força suficiente para elegermos nossa preferência nessa luta do mal contra o mal, e as eternas sabotagens e tramoias vão ficando cansativas e repetitivas. E até mesmo os romances das duas são insossos e sem aquela química que costumamos ver entre os personagens principais. Todavia, o que falta de êxito no eixo central, parece surgir nas tramas paralelas. É na lateralidade que nos apoiamos para continuar acompanhando o enredo.

A família do prefeito (Marcos Palmeira, excelente no seu primeiro “vilão”) é o núcleo forte da trama. Serve como vetor para criticar diversos problemas da sociedade brasileira, funcionando muito bem para a ideia de família como célula da sociedade. Ali temos a corrupção, a hipocrisia, o falso moralismo, a religião usada como escudo para justificar injustiças, tudo isso com uma dose de humor que atrai a simpatia do público. Arlete Sales, grande como sempre, representa o estereótipo perfeito da sogra-megera-matriarca-deslumbrada-preconceituosa, que comete atrocidades e se esconde sob o manto do Altíssimo, suas intervenções esdrúxulas roubam a cena. A nora (grata surpresa da baiana Laila Garin) sufocada-reprimida-traída começa a se soltar e ameaçar a estabilidade do lar. E a menina Laís (brilhante revelação Luísa Arraes), confrontando os valores impostos por sua família de porta-retratos, traz ventos novos para o clã.

E essa “família-modelo” surge justamente como antípoda da “família invertida” de Rafael, na qual pulula amor, compreensão e valores morais, a despeito de sua questionada formação. Vale notar também nessas casas o tratamento que é dispensado aos empregados, outra critica bem sintomática da nossa ainda “Casagrandesenzala”.

Além desse núcleo lateral, temos outras histórias que vão brilhando aqui e ali. O romance nascendo entre Ivan e Sérgio com todas as pressões sociais. A força da solidariedade das famílias na periferia, o mau-caratismo simpático de Luís Fernando,  um tipo bem brasileiro(dialética da malandragem em alto grau), a graça dos clowns de Norberto e Clóvis, a força visceral de várias mães em defender suas crias, o preconceito racial e a atuação policial e jurídica.

Como nessa novela não temos uma questão principal entre o bem e o mal para torcemos no fim da trama pelo reestabelecimento da ordem, vamos torcendo para que essas lateralidades continuem a iluminar nossa sede de ficção, como na bela primeira noite/alvorada de amor de Rafael e Laís ou no conto de fadas moderno da nossa Cinderela Regina...Creio que virá nesse último mês cenas que nos aproximarão mais dessa Babilônia, pois quem fez O dono do mundo, Força de um desejo, Celebridade e Paraíso Tropical tem estofo para merecer nossa confiança...


quarta-feira, 29 de julho de 2015

Avenida Brasil, paixão nacional

A novela Avenida Brasil estabeleceu um novo marco na teledramaturgia brasileira. O seu êxito é indiscutível, haja vista tamanha comoção em torno do seu final que, literalmente, parou outra avenida, a Paulista (como na Copa do Mundo) e um sem número de outras avenidas pelo Brasil afora. João Emanuel Carneiro, certamente, foi alçado ao time da primeira divisão dos autores da Globo: Gilberto Braga, Manuel Carlos e Aguinaldo Silva.
O tema da vingança/justiça vem animando a literatura desde seus primórdios e restabelecer a ordem é a matriz de boa parte das narrativas escritas até então. O autor trabalha com um grande tema central e todas as outras histórias se cruzam com o eixo principal, fórmula já apontada em A Favorita. Talentoso e criativo soube beber sem moderação nas fontes literárias, inclusive com citações explícitas, como a lista de livros selecionadas por Nina para tentar abrir os olhos turvos de Tufão: O Primo Basílio e Madame Bovary.
Como bom técnico, soube explorar o time principal sem abrir mão de escalar o secundário. A tríade Adauto/Zezé/Janaína roubaram mesmo várias cenas. Os dois primeiros com um destacado humor e falas hilárias e a terceira com sua comovente missão de salvar o filho das trevas e com sua dose de marxismo às avessas, reproduzindo com sua empregada os desaforos recebidos na mansão. Como também soube abusar da versatilidade dos atores experientes, caso do inesquecível Leleco (Marcos Caruso) que ia da caricatura do velho-garotão ao pai-conselheiro em segundos e a dupla face de Santiago(Juca de Oliveira), um Gepeto, aparentemente adorável, que forjou o seu Pinóquio/Carminha assim como os brinquedos que consertava, meigos por fora e recheados de contrabandos, já que o lixo (ão) deve ficar sempre longe das vistas.

Quanto ao tão esperado final, gol de placa. A redenção de Carminha fugiu do clichê loucura/morte dos vilões e trouxe uma visão fraterna e generosa das fraquezas humanas. A remissão dos pecados é possível, mesmo sem perder sua essência, pois mesmo nos minutos finais ela ainda espicaçou seus comensais. Aliás, a cena da mesa, ceia de comunhão, reavivou os papéis familiares. Carminha teve nova chance de ser filha, mãe e avó, sem tintura nos cabelos, nem fantasia de falsa beata.  E nos 45 do segundo tempo, um jogo divino, reunindo todos os personagens, metáfora magistral da agregação brasileira em torno de suas paixões: Novela, Futebol e Cerveja, outra personagem marcante nessa história...

Fim de Império:O reinado do Comendador...

A consagração de uma personagem de novela pode ser medida quando ocorre com ele um processo metonímico, isto é, ele suplanta o título da trama. Nós não assistíamos à Avenida Brasil ou à Amor à vida, e sim à Carminha ou ao Félix. Tal processo repetiu-se agora com Império, foi e sempre será a novela do Comendador. Esse anti-herói por excelência, cheio de falhas morais, mas dotado de carisma inquestionável ganhou a simpatia dos brasileiros. Como em outras tramas anteriores de sucesso semelhante, fica para a reta final um enigma: Quem é Fabrício Melgaço? Talvez a pergunta correta fosse: Quem são Fabrício Melgaço? Já que se tratou de uma conspiração formada por uma espécie de triunvirato disposto a destronar o rei. O primogênito é sempre o herdeiro preferencial na linha de sucessão do trono, sentindo-se ameaçado em seu direito nato, alimenta o ódio mortal contra o pai, somando-se a isso seu caráter pusilânime, foi facilmente cooptado por Silviano e Maurilio, outro herdeiro revoltado sem trono para herdar. Dentro dessa disputa sucessória, o telespectador curioso teve um ganho cultural, termos incomuns no cotidiano, como regicídio, parricídio, suplício de Tântalo (alusão mitológica) surgiram na última semana para ilustrar a densidade do conflito familiar. É incomum os protagonistas morrerem no final, mas havia indícios de que isso aconteceria, o principal foi a quebra do diamante cor de rosa, o amuleto do rei garantia sua vitalidade e poder, uma vez quebrado tudo em sua volta se desagregou, por isso a pedra voltou para cena final com close em suas partes divididas.

A telenovela há muito deixou de ser apenas um veiculo de entretenimento, entorpecimento ou alienação como alguns preferem, ela também permite reflexões e revisões de padrões, sem perder o prazer delicioso da ficção. O casamento a três de Xana/Nana/Antônio, prefiro chamar de família a quatro, já que o elo era em torno da criança órfã, nos obriga a pensar em outros modelos familiares que podem compor um lar, tema também explorado vastamente pelo clã Bolgari que quebrou muitos tabus e terminou em harmonia total, enlarguecendo ao máximo o que parcamente entendemos como amor. Aliás, amor foi o motivo da redenção moral de vários personagens, dentre eles Magnólia, Robertão, Tuane, Orville e a fantástica Lorraine, que entrou na trama quase invisível e sai como uma gigante.

O recurso intertextual, ou a presença da citação, foi outro ponto muito bem costurado pelo autor, que, aliás, marcou presença no capítulo final, justamente diante de seu espelho quebrado, Teodoro Pereira. Mencionei anteriormente ecos shakespearianos, agora nesse final tivemos no casamento das irmãs a marca bíblica do casamento de Jacó/Raquel/Lia, cantado por Camões num dos seus mais belos sonetos. A música foi condutora de outras homenagens, mais intratextuais que intertextuais, já que a citação vinha de obras do próprio autor ou de outras novelas. Dona de Roupa Nova, trilha sonora de Roque Santeiro, coroou a Rainha Marta (sempre torci por ela, uma deusa nos diálogos e uma titã nos monólogos), a cena do comendador nadando em dinheiro foi ilustrada com a música de Pedra sobre Pedra, cujo título e tema dispensam explicações. No desfecho, a morte do Homem de Preto com Cartola ao fundo (presente também em Cidade de Deus), é uma menção à Pecado Capital, outra trama na qual o protagonista também morreu no final, num ambiente semelhante a uma fábrica abandonada. E há Pecado Capital maior que matar o pai? Embora não esteja entre os pecados que ameaçam a salvação, contraria um dos dez mandamentos! O pai fraquejou em matar o filho, mas o filho foi até o fim e terá que conviver com seu remorso, como sentenciou sua meia-irmã Cristina, e com a ascensão do irmão caçula, o herdeiro mais improvável. O final foi cíclico, voltamos para o começo com um novo rei. E para ficar por aqui creio que continuaremos por muito tempo com o espectro do Comendador...Personagem “Fela “da Puta! E que venha Babilônia...dou um fio do meu bigode que vem aí mais um campeão de audiência...

Império...nem os diamantes são eternos...

A novela Império, de Agnaldo Silva, começou em fogo brando, mas vem ganhando lume novo a cada episódio. O folhetim, como indicado no título, circula em torno da metáfora da monarquia, representada pelo núcleo central da trama: a família do imperador José Alfredo. Há diversos elementos que remetem à realeza: herança, sucessão, amantes, bastardia, títulos, casamentos por conveniência e demais Ligações Perigosas nos bastidores da corte e em torno dela. Cheia de ecos de Rei Lear e Macbeth e demais meandros da cupidez humana.

Boa parte da eficiência da trama está na força do protagonista. Ambíguo como todo bom herói moderno, O Comendador, O homem de preto (reis sempre têm epítetos)vivido por Alexandre Nero, certamente , entrará para a galeria de protagonistas marcantes da nossa teledramaturgia, tais como Felipe Barreto( O Dono do Mundo), Juvenal Antena(Duas Caras), Giovanni Improtta (Senhora do Destino), Antenor Cavalcanti ( Paraíso Tropical), adoráveis canalhas, politicamente incorretos, anti-heróis por excelência que caem no gosto do público e no imaginário do brasileiro.

Dentre tantos temas apresentados na trama, destacam-se alguns, dentre eles a oposição entre ricos de berço e os novos ricos e os labirintos da sexualidade. O casal protagonista explora a questão da tradição, Maria Marta (a brilhante Lilia Cabral), que, embora falida, emprestou seu nome ao marido, milionário emergente, mas sem a classe cruelmente exigida pela alta sociedade. Aliança feita e ambos se beneficiaram dos dotes um do outro até o acordo se quebrar e virarem “inimigos cordiais”.

Essa oposição é também estendida a outras personagens de forma mais pícara, a exemplo do casal Severo e Magnólia (nomes motivadamente irônicos, ele não é nada severo e ela não é flor que se cheire, pais cafetões que se salvam aos olhos do expectador pela saída do humor) que abusam do dito mau gosto da classe emergente, amplamente representado na preparação de suas bodas de prata em contraste  com o refinamento dos cerimonialistas Claudio e Beatriz. A máxima que o dinheiro no Brasil mudou de mão já foi repetida algumas vezes na novela, e até Joãozinho Trinta foi estrategicamente citado na sua famosa frase: “Quem gosta de pobreza é intelectual, pobre gosta é de luxo”. Carnavalização, inversão da ordem, reflexos de um novo país, simbolicamente retratados na tela.

E por falar em Claudio e Beatriz, chegamos aos labirintos da sexualidade. José Maier, galã por excelência do horário nobre, empresta sua alma ao angustiado bissexual de meia idade carregado de conflitos existenciais, mas complexa mesmo é Beatriz. Beira ao inverossímil a sua compreensão generosa das relações extraconjugais do marido ( sempre me pergunto se fosse uma amante e não um amante qual seria sua reação), mas a  arte é para quebrar regras e causar estranhamento mesmo (épater le bourgeois) e ela segue altiva, bela e amada. A reação de seu filho Enrico, é legítima a princípio, mas me parece prolongada demais, desproporcional demais para um pai tão bom, o que fez com que o papel do chef perdesse a mão e o interesse.

Xana Summer (Ailton Graça) é apaixonante, aquelas personagens que se tornam maiores que o seu papel e viram sol, iluminando todo o pequeno núcleo do seu lar e do seu abraço acolhedor (Lorraine é impagável) e, para explorar mais os labirintos do tema, a trama acena com  o possível relacionamento para além da fraternidade com Naná(Viviane Araújo) em nome de um amor maior pelo menino órfão. Já Téo Pereira (Paulo Betti), agora Teodoro, é caricatura pura, mas toda caricatura tem o pé no real, é metonímia de uma imprensa marrom demolidora de reputações e criadora de celebridades, meio por demais conhecido pelo seu criador que também alimenta um blog ácido no mundo real, uma espécie de auto-homenagem crítica de Agnaldo Silva. Em resumo, as personagens envolvidas na temática homo afetiva são prismáticas, vistas sob vários ângulos, trazendo calor para a discussão pelas salas do Brasil à fora e  à dentro, mostrando que teimamos em por em linha reta o que é linha curva.

Há tantas outras personagens e histórias que merecem nota. Silviano (grande Othon Bastos), impecável mordomo inglês, num lar onde o lordship gosta de tomar café em copos de requeijão, certamente deve ter um porquê ainda a ser apresentado, caso contrário seria um desperdício de talento. A substituição de Cora em pleno ápice, excelente no papel de corvo-vampiro, por razões de saúde, risco de toda obra aberta, teve sua verossimilhança ameaçada, mas rapidamente devolvida, afinal aceitamos o pacto do fingimento.

A loucura genial de Salvador (Paulo Vilhena encontrou seu papel).O mundo do camelódromo, com sua força de comércio popular. A escola de samba e seu entorno. Os bastidores da alta gastronomia e do design de joias. Fragmentos de um mesmo Brasil, mosaico cultural e social tão bem retratados na novela brasileira. Brasil, mostra a tua cara e para isso vale tudo nessa Avenida.
 

Enfim, o Império está sob ameaça de ruína, mas a narrativa está salva. Já que nem os diamantes são eternos, acompanhar boas histórias nos torna mais humanos... E, se não eternos, ao menos, mais ternos.

Lado a Lado: Matrizes do Brasil contemporâneo

A novela Lado a Lado escrita pelos novos autores, João Ximenes Braga e Claudia Lage, cumpriu com maestria sua função artística de entretimento e informação simultaneamente. Com enredo desenvolvido no início do século vinte, trouxe à discussão todas as questões pulsantes daquela época e que ainda ecoam com força cem anos depois.

Ancorada em sólida pesquisa histórica, o texto reviveu páginas marcantes de nossa História, percorrendo grandes fatos como a chegada da República, as reformas urbanas de Pereira Passos (o bota-abaixo), a Revolta da vacina e a Revolta da chibata e, sobretudo, mostrando como esses eventos repercutiam no cotidiano da sociedade da época.

Construída através de personagens extremamente simbólicos, trabalhando o binômio expresso no título, buscou sempre trazer à tona esses múltiplos lados que compõem o Brasil. Do lado da Rua do Ouvidor, a Baronesa da Boa Vista, que ironicamente recusava-se a enxergar as transformações pelas quais o país passava e sempre vociferava as máximas identitárias de nossa elite: “Sabe com quem está falando” e “Ponha-se no seu lugar”, Laura feminista-vanguardista lutava para ter vez e voz num mundo patriarcal, Bonifácio Vieira, protótipo dos nossos políticos corruptos que cobram suas vantagens em qualquer regime que vigore. Do lado da favela que começava a se formar, Berenice, ambiciosa a qualquer que fosse o preço, Isabel, lutando por sua felicidade e enfrentando todos os preconceitos, Caniço, o marginal ingênuo e manipulável. Observemos que tais personagens perverte a ideia de maniqueísmo, pois o bem e mal estão no humano e não somente no viés das classes sociais.

Sem abandonar os expedientes caros de todo bom folhetim, como os amores românticos, as cartas roubadas, a bastardia, a falsa beata, a solteirona encalhada, a redenção dos humilhados, as traições pérfidas, os segredos de família, os autores conseguiram ir muito além ao retratar um período histórico que é germe do nosso Brasil de hoje, nos fazendo pensar com bastante lucidez em temas como a intolerância religiosa (o casamento ecumênico foi emocionante), o papel decisivo da cultura africana, o sistema de cotas (a criação da escola no morro foi brilhantemente defendida na novela, inclusive com a chegada dos alunos adultos ex escravizados), o lugar da imprensa na formação da opinião pública, a relevância do futebol,  nossa tendência para a comédia no teatro entre outros aspectos.

Toda a novela é digna de elogios, os cenários, os figurinos, as cenas de rua com todos aquele burburinho de cidade moderna que surgia, a interpretação magistral dos atores(a Baronesa, insuportavelmente boa sem eu papel de vilã e Zé Navalha, magnífico em seus conflitos de herói frágil), parece ter saído de uma mistura das páginas de Machado de Assis, Lima Barreto e João do Rio, cronistas por excelência desse Brasil revelado na trama das seis.


E por fim é claro, um clássico final feliz para o regozijo dos telespectadores, os maus punidos e os bons em uma celebração vivificante e solar, pois ao menos na ficção, temos justiça nesse país.

Meu pedacinho de chão e sonho

Meu pedacinho de chão passa a ser um marco na teledramaturgia brasileira. Ultrapassando a sua barreira de remake, Benedito Ruy Barbosa impõe seu talento de dramaturgo. Construída a partir de linguagem e cenário teatral, tem a capacidade de nos transportar no fim das tardes para um mundo mágico onde tudo é possível, exatamente naquele horário no qual já estamos saturados da realidade do dia.

 Luiz Fernando Carvalho impõe sua assinatura de diretor com letras maiúsculas, antes já desenhada em obras como Hoje é dia de Maria e Capitu. Marcada pela presença das cores e da força do universo onírico, nos colocamos diante de personagens que nos põem em suspensão temporária da descrença como queria Coleridge e embarcamos no mundo do faz de conta, fazendo de conta e aceitando todas aquelas fantasias como possíveis, pois aquele universo é fixado através do olhar das crianças, narradores privilegiados que vão costurando a trama, com destaque especial para Menino Serelepe, amálgama de tantos outros ecos ficcionais (Pequeno Príncipe/Peter Pan/João Grilo/Pedro Malasartes e cia).

Através de personagens tipos que vão se adensando ao longo a trama, temos todo o microcosmo da sociedade de qualquer tempo e espaço (O CORONEL/O PADRE/O ARTISTA/O COMERCIANTE/O POLÍTICO/O IDEALISTA/A PROFESSORA/O MÉDICO), mas com uma forte sugestão de elementos da cultura brasileira como a excelente rezadeira/parteira Mãe Benta ou os simbólicos “agregados quebra-faca” como Rodapé e Zelão. Aliás, esse último roubando a cena na sua trajetória de anti-herói que vai se tornando herói através da redenção amorosa e do conhecimento.


Quanto ao cenário, figurino, maquiagem creio que não há o que comentar, a beleza é tanta que extasia. O texto é impecável, com tantas sutilezas e citações que nos eleva como leitores. Como toda boa obra literária, critica sem ser panfletária, chama a atenção para problemas reais através da alegoria e vai cumprindo seu papel de divertir e advertir. Por aqui fico porque já vai começar mais um capítulo, “trabaiei fiz mais do que pude, que nunca me farte...”

Sete Vidas ou a arte de contar boas histórias

A novela das seis geralmente é caracterizada por trazer à cena narrativas leves que vão preparando o telespectador gradativamente para os horários posteriores das  19, das 21 e, mais recentemente, das 23. A sequência seria mais ou menos assim 18/19/21/23, leveza/humor/peso/peso-pesado, gradação baseada na densidade das tramas e complexidade das personagens.

A atual trama das 18:00 da Rede Globo, Sete Vidas, de Lícia Manzo (já havia mostrado seu talento em A vida da gente) experimenta um doce sucesso, mesclando dosadamente essa gradação. A um só tempo ela retempera o quarteto leveza/humor/peso/peso-pesado, a partir de uma história muito bem construída através das Sete Vidas anunciadas no título. Essas Sete Vidas, na verdade oito contando com Júlia(Isabelle Drummond), jovens que têm por ligação serem filhos de um mesmo doador, funciona como um catalizador para as outras tramas paralelas que, de alguma forma, se interligam com essa árvore genealógica de vanguarda. Note-se que não se trata de um mesmo pai e sim de um mesmo material genético, o que já é por si inovador, pois o tema é muito novo e suscita muitas dúvidas quanto à legitimidade desses laços.

A novela tem sido uma grata surpresa ao trazer para nossa sala temas como psicanálise, crianças especiais, dislexia, novas composições familiares, ecologia, vocações e etc., sem ser panfletária ou moralizante. Mas, de fato, no que ela é melhor é no tratamento que dá as diversas relações humanas, explorando com muita delicadeza os meandros dos relacionamentos. Sejam eles fraternos, maternos, paternos, conjugais, profissionais e entre amigos, a vida vai seguindo através de diálogos impecáveis que nos prende no sofá por uma hora, torcendo para ouvir de novo a bela música e imagens da abertura assim que acabam os comerciais. Nessas relações há um destaque especial para os amores maduros, para as mulheres fortes ao lado de homens vacilantes e para os amigos à toda prova.

Outro aspecto que chama a atenção e traz frescor para a história é a ausência de vilões. Aqui não há o velho maniqueísmo que sustenta a literatura há milênios, o inimigo somos nós mesmos, nossos desejos e nossas escolhas. Não há um mal a combater e sim nossas fraquezas e angústias cotidianas na busca da felicidade. Some-se a isso a presença de grandes atores de diversas gerações e formações diversas (Regina Duarte, Domingos Montagner, Cyria Coentro, Débora Bloch e o jovem Guilherme Lobo, brilhando como Bernardo), trilha sonora refinada e uma pujança de referências culturais (ópera, literatura, pintura).


Eis uma belo mosaico do humano. Leve, sem deixar de tratar dos temas pesados da vida, bem-humorada, mesmo quando o assunto é peso-pesado. Assim como a vida, a dos outros e a da gente, sejam de sete pessoas ou de todos os seu múltiplos. E a fórmula é muito simples: Todo mundo gosta de ouvir boas histórias e, como o sultão de Sherazade, vamos  acompanhando e esquecendo dos nossos próprios enredos...É a magia da ficção que continua a nos encantar a despeito do peso-pesado da vida...

Vixe Maria, Deus e o Diabo na Bahia ou - Machado de Assis no tacho do dendê

Machado de Assis, escritor renomado pela qualidade literária dos seus romances, entre eles os inesquecíveis Memórias Póstumas de Brás Cubas ou Dom Casmurro, também se destacou na produção de contos imperdíveis que já se consagraram pela presença constante nas mais diversas antologias do gênero, textos como O Alienista, Missa do Galo ou A Cartomante povoam a memória dos leitores brasileiros que já se aventuraram por suas páginas.

Mas, a propósito da ocasião da visita em nossa cidade do espetáculo Vixe Maria Deus e o Diabo na Bahia, de Claudio Simões, nos remetemos de imediato a um conto não muito conhecido do nosso bruxo do Cosme Velho, mas sem dúvida um dos melhores, A Igreja do Diabo, que faz parte do volume de contos Histórias sem Data.

O argumento do espetáculo, espetáculo com todas as letras pela qualidade inegável da produção, é o mesmo do conto machadiano: Eis que cansado da monotonia do inferno, o Diabo resolve fundar sua própria igreja para competir com a igreja de Deus, e por ser um concorrente honesto, avisa ao Todo Poderoso do seu intento.

Daí em diante começa o processo de criação/reinvenção da peça baiana,  pois é justamente em Salvador que o Demo vem fundar sua Infernal Sé, obviamente no período que antecede o Carnaval e há uma festa todo dia na Bahia, ou seja, Salvador está do jeito que o Diabo gosta. E Deus, diante de tal ameaça, é obrigado a aterrissar por aqui também.

Conflito estabelecido, o tacho do dendê começa a ferver, numa deliciosa mariscada onde tem de tudo: Festa de Santa Bárbara/Iansã, procissão do Senhor do Bomfim com direito a citação do Senador como membro do cortejo, outro patrimônio cultural baiano, Festa de Iemanjá, Feira de São Joaquim, com todas as suas cores e sabores, do cesto de umbu a taboca, dos vendedores de ervas ao picolé Capelinha (nada foi esquecido!) nessa formidável mistura, temperada pelo legítimo baianês.

E por falar em baianês, na moral e sem exagero, meu rei, um dos pontos altos do espetáculo é justamente, a linguagem, a inserção da “língua baiana” com todo seu charme e gingado das ruas, é hilário ver Deus e Diabo falando baianês, é um tal de “Tome”, “Se lascou”, “Receba”, entre outras pérolas da língua gostosa do povo como dizia Manuel Bandeira.

Voltando ao conflito principal da trama, Deus e Diabo, na sua eterna peleja, visitam os supostos lugares onde estariam seus fiéis, entre eles um terreiro de candomblé e uma igreja evangélica, passagens que despertam risos soltos no expectador mais casmurro que por ali estivesse. O cotidiano das duas religiões é mostrado em forma de galhofa (para usar um termo machadiano), mas a profundidade da reflexão que dali podemos extrair é uma espetada nas mentes adormecidas. É o velho Ridendo Castigat Morus, por ali disfarçado de canga e protetor solar.

Outro elemento notável é a musicalidade do espetáculo, sem nem uma nota a mais ou  acorde a menos, a música baiana imprime um ritmo forte e sedutor durante as duas horas de palco, aliás, ornado por um belíssimo cenário e adequado figurino. Os hits dos carnavais baianos vão se enfileirando numa harmonia de arranjos de dar inveja a qualquer Escola de Samba do primeiro grupo.

Enfim o público de Feira de Santana que prestigiou em massa o evento, avis raras em nossa cidade, saiu com a alma lavada, gratificado por tão nobre diversão.

Ah!...Sobre o conflito eterno entre Deus e o Diabo, vai continuar ad infinitum, como forças que se retroalimentam. O bem só existe porque sua face oposta o completa e vice-versa e versa-vice. É o eterno dualismo humano, trabalhado na peça na perspectiva regional, que como nas grandes obras, leva ao universal.

Terminemos como o próprio Machado de Assis termina seu conto: Que queres tu? É a eterna contradição humana. De fato uma história sem data.

Ah! Que loucura essa mistura, Deus no coração e o Diabo no quadril.

Sete vidas: um lírico mosaico da alma humana

A novela que se findou essa semana suscitou em seus assíduos e apaixonados telespectadores contato com emoções diversas e questões sociais de várias escalas. Como numa paleta de um hábil pintor, a trama fez emergir um belo painel da nossa existência contemporânea, mas também eterna. A partir de um mote inovador, a paternidade de um doador, a trama foi se costurando e nos encantando dia após dia.

O tão esperado capítulo final ( gostaríamos que ainda não o fosse) foi fiel à trajetória de toda trama. Sem finais apoteóticos prezou pela sinceridade das emoções verdadeiras. Cenas no aeroporto, chegadas e partidas, simbolizando o fluxo da vida na qual nada está estático e tudo flui num eterno devir. Relações terminando, outras começando, famílias se formando, rótulos sendo revistos, com trilhas sonoras diversas que marcam o ritmo do coração, mas também com a dose de silêncio do cinema mudo, onde as palavras são impotentes e os gestos falam mais alto.Lígia, dividida ente o amor-brisa e o amor-vendaval, escolheu o segundo, mas certa de que o seu marujo agora já sabe atracar na segurança de um porto. Júlia, a restauradora, teve papel seminal na trama, colando os cacos para que o mosaico final ganhasse vida.

Outro aspecto que fez a narrativa ser tão especial e que percebêssemos a profundidade do texto através de muitas cenas de diálogo, foi o tempo para escutar. Quase todas as personagens tinha um amigo/confidente com quem podia partilhar suas angústias, tomando um café, uma taça de vinho ou de sorvete, algo tão raro em nossos tempos modernos. Daí surgiram os melhores momentos da novela, numa conversa sincera na qual nem sempre se ouvia o que se desejava.

Além disso, como já dissemos antes, o texto refinado era salpicado de citações de vários campos do conhecimento. Nesse último dia, Fernando Pessoa para coroar a navegação dessa família, tão única e tão múltipla a um só tempo, através do filho que se fez presente na ausência, aquele que recebeu do pai duas vidas e herdou seu destino errante.Final feliz e casamentos? Sim... Os dois. Não a felicidade definitiva do foram felizes para sempre, mas a provisória, feita de momentos únicos. Casamento, sim, à moda das sutilezas típicas da trama, os dois casais de branco singrando os mares com as promessas do sol por testemunha. Que venham novas histórias bem contadas como essa para saciar nossa fome inata de ficção, afinal Navegar é preciso e viver é impreciso!